Nuestro invitado de hoy es originario de Tokio, en donde actualmente vive y trabaja, en alternancia con pequeños períodos en Nueva York.
Murakami juega con la originalidad y el poder de las imágenes de la cultura japonesa en una zona intermedia entre lo tradicional y la innovación. Su visión de un arte contemporáneo específicamente japonés reside en la fusión de la pintura japonesa, con su énfasis en la superficie, el Pop Art americano de Warhol a Koons, y los mundos imaginarios multicolores del manga y los dibujos animados japoneses (Anime). El principio de la interpenetración entre las bellas artes y las artes aplicadas es visible en el desarrollo y la adaptación de las pinturas pop estereotipadas de figuras populares, como Mikey Mouse o Sailor Moon, y en la comercialización de objetos auxiliares en su Hiropon Factory, creada en 1995. Bajo su estricta dirección se crean imágenes y figuras perfectamente elaboradas y ordenadas. Con la publicación de un manifiesto y una exposición Murakami formula su imagen de superflatness, manteniendo simultáneamente un tipo de estilo y pensamiento vanguardista que hasta aquel momento solo se había manifestado en el arte japonés como una importación occidental. Aunque el universo artístico abigarrado de Murakami produce efectos tan superficiales como el mundo pop de símbolos y mercancías, sus percepciones sobre la cultura y la identidad de la sociedad japonesa desempeñan un importante papel en el sistema de la producción artística nacional.
Encarnan traumas, esperanzas y visiones desarrolladas a partir de la occidentalización de la cultura japonesa y pretenden cambiar el estatus y la percepción del arte contemporaneo en Japón. Por un lado, estos deseos podrían parecer infantiles, pero por el otro reflexionan sobre el estatus quo postmoderno de la cultura americana de un modo muy maduro. Son obras decorativas y esquizofrénicas, y a la vez utilizan su contenido para poner de relieve la originalidad del arte Japonés.
La obra que observamos arribla se titula Hiropon, del año 1997. Os quiero recomendar a todos que visiteis este enlace, en donde tendran acceso a una visita virtual por las galerias mas importantes donde han tenido lugar las exposiciones de Murakami. Las fotografias estan muy bien logradas con lo cual ver la obra en su ambito original y desde distintas perspectivas realmente logra un gran impacto en los visitantes, e incluso el mismo artista se ha tomado la molestia de dejarnos un pequeño video informativo en donde el mismo expone cada obra . Kisuu!!
Ayer para aprovechar la tarde, quedé con unas amigas y decidimos ir a dar una vuelta por el centro de Madrid mientras charlábamos. Nos encontramos en Sol, que por cierto estaba plagadísimo de gente (sobre todo turistas) y ya empezaron a ofrecernos cosas. Actuaciones de teatro, monólogos que hablan de la felicidad, etc. etc., y lo cierto es que esto de la crisis está convirtiendo todos estos placeres en algo mucho más asequible. Por ocho euros los martes y miércoles poder ver una representación de más de una hora me parece bastante barato.
Desde Sol fuimos caminando hasta el Palacio Real, y nos sentamos en el césped. Allí también había gente sacándose las castañas... Músicos ocasionales que tocaban canciones de tango con un acordeón, o masajistas orientales que ofrecían sus servicios por poco más de dos euros, una verdadera ganga si no temes que te descoyunten la espalda de manera irreversible... Allí estuvimos hasta que anocheció, y decidimos por último ir a cenar algo de forma tranquila ya que algunos de los que estábamos tenían planes para más tarde.
Tras quince minutos de debate optamos por ir a un restaurante de montaditos muy económico que una amiga conocía. Me acordé de una noticia de hace unas semanas que salió en la televisión que nos informaba de un restaurante, también de montaditos o pinchos, en el cual se podía comer algún día de la semana por un solo euro si se estaba en paro. Pues bien, el sitio al que fuimos fue tal cual recordaba yo el otro bar, pero barato los siete días de la semana. Montaditos por un euro, ¡un chollo!, eso sí, si uno va con hambre lo mejor es que pida más de tres.... Buena comida en buena compañía y por poco dinero= ¡una tarde muy bien invertida!
La denominada por ella misma Pipilotti, en honor a Pipi calzaslargas, nació en realidad con el nombre de Elisabeth Charlotte Rist, en Suiza, donde actualmente vive y trabaja.
Rist es sobre todo conocida por su doble proyección de video Ever is Over All, 1997, que va acompañada de una música hipnotizante compuesta por Anders Guggisberg. Sobre la pantalla , una mujer joven, con un vestido ligero de color azul claro y zaptos rojos lleva una flor metálica llamada "hurgón" con la que rompe los cristales de los coches aparcados que encuentra en su camino. Esta imágen se yuxtapone a una segunda proyección en la que aparece un jardín de "hurgones rojos", una abstracción en espiral de tallos ampliados y flores de colores.
La asociación de fuertes bandas sonoras y vibrantes imágenes en movimiento ha llevado a comparar el trabajo de Rist con los videos musicales. Muchas de sus obras en video como Sip my Ocean, 1996, y I'm not the girl who misses much, 1986, se refieren directamente a la música popular y al género de los clips musicales, y recurren a canciones de Cris Isaak y John Lennon respectivamente.
Aparte de sus videos, Rist construye espacios donde contemplarlos. Das Zimmer (La Habitación) 1994, incluye un sofá de color rojo de grandes dimensiones y una televisión donde se presenta una selección de sus videos. Un mando a distáncia, de gran tamaño, llamado "Pipi TV" permite a los espectadores elegir los videos. Himalaya Golden Stube, 1997-1999, recrea el ambiente lúdico del apartamento de una mujer joven. Los monitores y proyectores estan empotrados en las paredes y los muebles, por lo que las imágenes en movimiento aparecen en los sofás, sillas, lamparas y mesas. Como la melodia dominante Ever Is Over All, la envolvente melodía contribuye a la atmósfera del conjunto y a la experiencia de la instalación.
El vídeo que pueden ver arriba, se titula Open My Glade, se realizó y proyectó en el 2000 en el Times Square neoyorquino. La más famosa esquina del mundo mostraba en diez secuencias de sesenta segundos cada una, en el lapso de una hora, a la artista aplastando su cara detrás de una pantalla de cristal. Estas eran cuatro secuencias, las seis restantes eran extrañas escenas, por ejemplo rayos de sol a través de una oreja, una mujer en bici, etc.
Os quiero recomendar un reportaje muy interesante, publicado por El País, en donde se incluye una pequeña bio y una entrevista a Pipilotti. Si les ha interesado, tomense unos segundos para conocerla mas de cerca a través de este reportaje "La subersiva Pipilotti", un gran trabajo de Andrés Fernández Rubio.
Carsten Holler es uno de los pocos artistas que logra crear una afortunada combinación entre Arte y Ciencia. Nacido en Bruselas, actualmente vive y trabaja en Estocolmo.
Su intención artística es extender las fronteras de la percepción humana , o, para ser mas precisos, manipularla y liberarse de sus parámetros más primitivos, en su búsqueda de sensaciones psicológicas. Si queremos ampliar nuestros horizontes perceptivos, hemos de abandonar nuestros hábitos y certidumbres.
Contradiciendo la afirmación de Adorno de que el arte adquiere significado en proporción a su carencia de función, Holler es un prestador de servicios. Produce efectos positivos. Sus objetos funcionan como nuestro propio cuerpo. Dan respuesta a nuestras preguntas, como Quien soy? A dónde voy? Qué puedo pensar? Centrándose en sensaciones fisiológicas y ofreciendo experiencias físicas, rompe la barrera entre el arte y el comportamiento que tiende a trivializar el hecho artístico y privarlo de significado y relevancia.
En Instrumente aus dem Kiruna Psycholabor, 2001, trivializa el arte utilizando luces intermitentes para demostrar la sincronización de la actividad cerebral y los fenómenos visuales experimentados con los ojos cerrados, detrás de la retina y bajo los párpados. En Light Wall, 2000, 1920 bombillas emitían luz y calor, encendiéndose rítmicamente a una frecuencia de 7.8 hercios. Incluso con los ojos cerrados, el espectador no puede huir de la luz, que crea un negativo multicolor. "El cerebro se compara a un sistema eléctrico, que sincroniza los impulsos externos. El espacio de exposición es una máquina cuya tarea es sincronizarse con los visitantes y ofrecerles una experiencia compartida."
La imagen que observamos arriba, corresponde a su instalación titulada Upside Down Mushroom Room, 2000. La peculiaridad de Holler, y en general de todos los artistas que trabajan con instalaciones en donde se facilita la interacción con el público, es que están dispuestos a ofrecernos en todo momento obras lúdicas a la vez que interesantes, algunas llegando a convertirse en todo un complejo mundo ante los sentidos, en donde se conjugan el ocio con el trabajo de reflexión.
Y como siempre, aqui os dejo el enlace hacia una galeria de este inteligente personaje. Enjoy it!
La majestuosa y comprometida artista Orlan, nacida en Francia, actualmente vive y trabaja en Nueva York y Paris.
Forma parte del grupo de artistas que se dedican a un performance donde el cuerpo se implica totalmente, en busca de una identidad nueva, tras haber rechazado la identidad recibida. Esta búsqueda caracteriza en gran medida al arte conemporaneo, donde el cuerpo se vuelve un centro de investigación, a veces a traves del dolor, como en ciertos extremos del Body Art. Así, Gina Pain parte vistiendose de blanco, se hiere los labios y el rostro con una navaja; Ron Athey se clava jeringas hipodermicas como si de un nuevo San Sebastian se tratase ... Por su parte, Orlan, al precio de numerosas intervenciones quirurgicas, transforma su rostro y su cuerpo, pues pretende que su cuerpo sea su obra de arte. Su lugar de performance ha sido con frecuencia la sala de operaciones donde ella lee, recita, actúa ... De ahí surgen otras obras: vídeos, fotografías, montajes, etc.
Orlan quiere, como ella misma lo dice en su Manifiesto del Arte Carnal, transformar el cuerpo, pero, a diferencia de la rama del Body Art a la que aludimos arriba, no le interesa el sufrimiento, sino la operación quirurgica misma, y el cuerpo modificado que se vuelve un lugar de debate público. "El cuerpo -dice el Manifiesto- se vuelve un 'ready-made modificado'". En este sentido, lo que ella llama El Arte Carnal es una lucha contra el cristianismo, y "voltea el principio cristiano del verbo hecho carne en la carne hecha verbo", afirma. El cuerpo transformado habla. El cuerpo dice lo que quiere ser, se autocrea gracias a los avances de la medicina plástica.
Si esto no les pareció suficiente, y su morbo sediento apenas empieza a babear, os dejo el enlace hacia un documental titulado Carnal Art, en donde podreis adorar a esta diva en todo su magnifico esplendor artístico. Au revoir!
La sección de arte de hoy la protagoniza un Italiano. Nacido en Padova, Cattelan actualmente vive y trabaja en Nueva York.
Para el, el arte está separado de la realidad, y dentro de sus fronteras existe la posibilidad de ir mas lejos. Maurizio, bufón del mundo del arte, lleva a cabo una tentativa radical para ridiculizar los principios sobre los que se basa la integración del artista en la sociedad. Ha elegido la privilegiada pero tambien ambigua posición de un célebre provocador para mostrar las costumbres hipócritas que facilitan el flujo estable y soporífero de ideas y dinero en el mundo artístico contemporaneo.
El propietario de una Galeria atado a un muro con cinta adhesiva ( A Perfect Day, 1999); El papa golpeado por un meteorito (La Nona Ora, 1999); un pequeño Hitler rezando (Him, 2001); una ardilla que se suicida con un disparo en la cabeza (Bidibidobidiboo, 1996); los personajes creados por Cattelan son a la vez caricaturezcos y trágicos. Presentando figuras históricas y héroes cotidianos, Cattelan sigue un camino ya trazado anteriormente por rufianes, prestidigitadores y charlatanes. Los artistas han buscado muchas veces refugio en su propio arte, dando lecciones magistrales como si fueran profetas.
De seguro te ha gustado un monton la imagen que has visto.. si quieres ver más, no dejes de visitar la Galeria de Emmanuel Perrotin, donde tienes disponible una galeria con trabajos de Cattelan. Sayonara!!
Hace unas semanas unos amigos y yo, estudiantes de Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Carlos III de Madrid, nos embarcamos en un fin de semana inolvidable. La Comunidad de Madrid ofrece todos los años un curso en el mes de Febrero para la elaboración y producción de un cortometraje, de una duración de casi tres días, que tiene lugar en un albergue de San Lorenzo de El Escorial. Por el precio de 44 € (con carnet joven) tienes alojamiento en el albergue juvenil Santa María del Buen Aire, en una habitación compartida con otros participantes del programa y pensión completa (ya os aviso de que la comida da bastante pena, es cierto, así que es aconsejable llevar algo en la mochila porque las máquinas expendedoras también suelen estar estropedas). Es necesario tener el carnet de alberguista (cuesta 5 € hacérselo y puedes sacártelo junto con el curso en la oficina de turismo joven de la calle Fernando el Católico, nº88). En lo que respecta al transporte, los autobuses a San Lorenzo salen del intercambiador de Moncloa y el trayecto dura aproximadamente una hora. No os fieis cuando los bienintencionados habitantes del pueblo os digan que la parada de autobuses está muy lejos del albergue, porque no es para tanto. En serio, os lo dice una persona bastante sedentaria.
La programación del curso es bastante intensiva como comprenderéis. Nosotros llegamos el viernes 20 de febrero a las 18:00 y, después de ver nuestra habitación y cenar una horrble sopa castellana (con todos mis respetos a la comida más castiza), conocimos a uno de nuestros monitores del curso, Sergio Fernández, y al resto de compañeros (en realidad sólo era uno más). Pronto empezamos a hablar sobre los aspectos necesarios para una grabación (profesiones y funciones) y visionamos algunos cortos magníficos, al menos para mí, como El columpio, dirigido por Álvaro Fernández Armero, que ganó el Goya en 1993, y protagonizado por Coque Malla y Ariadna Gil; el popular A las 7.35 de la mañana de Nacho Vigalondo, nominado al Oscar en 2004 por su trabajo, y otro llevado a cabo por otros participantes de cursos anteriores, cuyo título no recuerdo ahora bien, pero que con solo una puerta, un actor y un espacio exterior de los alrededores del albergue, lograba sobrecoger con una fantasía acerca de las vicisitudes de la vida.
No obstante, recuerdo que lo primero que Sergio nos enseñó es qué era la Teoría del eje, fijada en la década de los años 30 en los estudios de Hollywood por el cine clásico de entonces. Lo que viene a decir esta ley es que a la hora de filmar, por ejemplo, una conversación entre dos personas, si trazásemos una circunferencia alrededor del eje que las miradas de ambos personajes forman, las cámaras (en realidad, la mayoría de las películas se ruedan únicamene con una, pero se habla de ellas en plural por las distintas localizaciones de la misma, de manera que se obtienen planos tomados desde la espalda de uno de los personajes mientras se registra el rostro del otro) han de estar siempre al mismo lado del eje. En un hemisferio u otro, pero no pueden cambiarse de lado durante el rodaje. De ahí que nuestro monitor, temeroso de ausentarse un minuto y encontrarse con el pastel en el montaje, nos advirtiese de esto lo primero.
Las opciones para cambiar de lado del eje, sin que se produzcan las confusiones de posición de los personajes que hemos podido apreciar en este video, son: intercalar un plano aislado tomado en un escenario distinto, grabar desde el eje o la técnica del travelling. La teoría del eje está intimamente relacionada con los raccords, en este caso en lo que se refiere a la posición de los personajes, que junto al raccord de mirada es uno de los más llamativos para el ojo del espectador.
Finalmente, definimos algunos conceptos como plano de rodaje (desde que pulsas "el rec" hasta que lo paras) y de montaje (cuando ya está editado), toma (cada una de las veces que se rueda un mismo plano), secuencia (unidad mínima de acción de los guiones, tanto el literario como el técnico, que sucede en un mismo lugar y tiempo), plano secuencia (grabado en continuidad de modo que recoge varias acciones o lugares, no necesariamente personajes) y procedimientos para pasar de un plano a otro como el fundido (indica paso del tiempo), cortinilla, encadenado (lo difuminado del fondo pasa a primera línea o viceversa) o corte directo, por no mencionar los tipos de encuadre (plano general, medio, americano, detalle, etc).
Así llegamos preparados para el sábado por el mañana, momento en el que en una sesión de "brainstorming" o lluvia de ideas elegimos la que ibamos a desarrollar. Todos aportamos al menos una, detallando personajes, acción, espacio y tiempo. Una vez que seleccionamos la que íbamos a grabar, tuvimos que concretar una sinopsis (resumen de 10 a 15 líneas) y una escaleta de secuencias, hecha sobre el aspecto de la película montada que verá el espectador y en la que se pueden indicar espacios, personajes, diálogos, pero no planos. Esto último corresponde al guión técnico, donde detallamos los encuadres que rodaremos, mientras que en el literario, el cual se hace el primero, fijamos la acción y los diálogos que luego visualizaríamos como imágenes.
El rodaje comenzó a primera hora del domingo. Cada uno hizo su papel de director, de exteriores o interiores, productor, cámara, script (lleva a cabo un documento en el que anota la toma, duración de la misma, número de secuencia, si la toma es buena o mala, etc) actores, sonido y ayudantes varios. Es muy importante en el rodaje tener en cuenta que el tiempo disponible es muy reducido y que hay que aprovechar para rodar del tirón todas las escenas que se rueden en un mismo espacio, así como tomar planos recurso que luego ayuden en el montaje.
De este modo rodamos nuestro primer corto, que todavía no hemos podido visionar, pero que seguro que pronto lo colgaremos en Youtube y en este blog. Como consejo personal, recomiendo grabar a continuación del corto un simulacro de tertulia televisiva entre intelectuales que acabasen de ver el cortometraje. Es perfecto para liberarse de las tensiones acumuladas durante las prisas del rodaje y reírse de los errores cometidos, de los cuales no olvidemos que siempre se aprende algo bueno.
Tras el exito ocasionado por la mencion de la diva Orlan en las clases de Teoria de la Imagen, hemos decidido dar inicio a una nueva seccion, destinada a intruir vuestras mentes con sabios conocimientos vanguardistas en el campo artistico, a la vez que saciamos vuestro morbo con las obras mas ineditas, asquerosas o infantiles que puedan habitar en vuestros sueños, o bajo vuestras camas quiza..
Esta seccion tiene el honor de ser inagurada con uno de los artistas mas kawai en la actualidad, directamente desde la tierra del sol naciente, Yoshitomo Nara. Nacido en 1959 en Hirosaki, Japon, actualmente vive y trabaja en Tokio.
Para este artista, la rebelión es el motor fundamental de su arte. Marcado por las diferencias entre su despreocupada niñez en el campo, y las grandes ciudades de Tokio, Colonia y Los Ángeles, donde ha transcurrido la mayor parte de su vida, su obra oscila también entre dos polos opuestos. Sus pinturas, dibujos y esculturas exhiben una extraña y onírica tension entre la agresividad y la melancolía.
Un rasgo distintivo de su trabajo son los niños y los perros, bajo cuya inocencia aparente existe un claro potencial para la violencia. Parecen timidos, bien educados y agradables, y su relacion con nosotros, los espectadores, esta definida por sus enormes ojos. Como sonámbulos, penetran en nuestro inconsciente, donde el horror de la vida cotidiana parece menos virtual que real. Algunas veces aparecen como seres dulces y simpaticos, otras como seres maliciosos y amenazadores.
Nara se considera a sí mismo un artista pop. Fuertemente influido por el rock y el punk, por el manga japones y la ordenada estructura de la sociedad japonesa, sus recuerdos de la felicidad de la infancia son retratos traumaticos de un tiempo perdido para siempre. La ilusion y la inocencia de la niñez, de una existencia fácil y protegida, tejen la trama de sus delicadas pinturas. Sin embargo, al final, el sentimiento de desesperanza pertenece al mundo de los adultos y está tan emocionalmente cargado que nos vemos obligados a enfrentarnos al mundo surrealista de Nara.
Si quieres conocer un poco mas sobre este artista y ver un par de obras interesantes, te recomiendo este enlace hacia una galeria de Nara.
Aprendices de todo (y de nada a la vez), tratamos de crear un blog.
En honor a una de las grandes bitácoras españolas, nace Macrosierv@s (al servicio de la humanidad). En breves, trataremos de expresar nuestras inquietudes, comunicar nuestros descubrimientos y todo aquello que se nos pase por la cabeza, además de las muchas tonterías que publiquemos...
Ayer para aprovechar la tarde, quedé con unas amigas y decidimos ir a dar una vuelta por el centro de Madrid mientras charlábamos. Nos encontramos en Sol, que por cierto estaba plagadísimo de gente (sobre todo turistas) y ya empezaron a ofrecernos cosas. Actuaciones de teatro, monólogos que hablan de la felicidad, etc. etc., y lo cierto es que esto de la crisis está convirtiendo todos estos placeres en algo mucho más asequible. Por ocho euros los martes y miércoles poder ver una representación de más de una hora me parece bastante barato.
era ganga si no temes que te descoyunten la espalda de manera irreversible... Allí estuvimos hasta que anocheció, y decidimos por último ir a cenar algo de forma tranquila ya que algunos de los que estábamos tenían planes para más tarde.
